《受胎告知》这幅画虽然不是十分著名，但它已充分显露出年轻画家的才华。画面上一位美丽少妇怀孕了，她羞涩地将这喜讯告诉她最相知的人。背景似是客厅，窗外风景如画，宝塔、古树，如在眼前。
1475年，达·芬奇还完成了板面油画《加罗法诺的圣母》。
以后的几年间，他在他的家中完成了油画《贝诺亚圣母》。
这些作品，大多是画圣母。作品里弥漫着成熟母性的爱。但这些作品，都未引起较大的反响。可以看出，这些作品，与达·芬奇儿时的生活体验有关。尤其是第一年后妈对他的爱和呵护，给他留下了永不磨灭的印象。
28岁，达·芬奇已经开始名扬整个佛罗伦萨的艺术界。
他的订货单如雪花一样源源不断地飘飞而来。
他开始进行板面油画《圣哲罗姆》的绘制。圣哲罗姆，即一个基督教苦行僧。而这一时期，他开始在自办的画室中绘制的比较有名的是两幅《报喜节》。
选择了当时艺术中最流行的题目之后，达·芬奇摒弃了那种把圣母的形象描绘成威严的、感伤的或者沉思的样子的传统画法。他塑造的圣母，大多是欢乐的、充满真善美的，纯粹是尘世罕见的美感的形象。
达·芬奇首先依据光学规律，广泛运用了明暗技术，使这种技法不仅成为造型的方法，而且也成为使画面人物“鲜活起来”的一种手段。
他为国王编织的一条豪华的地毯图样，其中设计了亚当和夏娃。亚当与夏娃的周围，是许多珍禽异兽，以及奇花异草。画家把这些东西画得惟妙惟肖，显示了他长期修炼的艺术功底。比如他画的棕榈树，袅袅婷婷，柔美至极！他逐步走向艺术家的成熟。
长期以来，达·芬奇在笔记本上积累了速写、草图，以及各式各样的趣事、歌谣、笑话、评价、哲学思考、讨论等等，他留下了洋洋7万页的笔记。广泛搜索，厚积博取，这是他成功的经验之一。
第一幅《报喜节》画的是圣母在露天下面的凉台口得知喜讯。美好的时刻，伴着令人欢欣的风景，有盛开的百合，如画的树林，小山脚下蜿蜒的河流。圣母跪着，望着微笑的天使。
第二幅《报喜节》，不同于第一幅。画面上天使若有所思，而且严肃。圣母听到这一喜讯时十分惊喜。圣母的衣褶，打开的书本，小桌，都是用装饰纹样艺术地描绘出来。
达·芬奇在自办的画室中潇洒自如，创作大获丰收。
达·芬奇的成名作《拈花圣母》画的是一位美丽的母亲在和孩子玩耍，并用鲜花逗这孩子快乐。这位美丽少妇，看上去大约二十八九岁，她对生活充满幸福感，脸上是欢欣的微笑，她注视着自己的作品——孩子。孩子富态毕露，小手胖墩墩的，他正在揪住母亲手里的鲜花。全面看此画，你可以感觉到一种人间温情，如柔水脉脉流淌，清溪般的纯真。母子被年轻的画家描绘得栩栩如生。达·芬奇总结经验：从明部到阴影的过渡，要像轻烟一样美妙。他把这话记在笔记本上。
这是他在个人开的画室中的最高成就。
在办个人画室之前和求学这段时间，达·芬奇少不了还要靠那做公证人的父亲来资助他。
这段时间，达·芬奇创作《魔术师的崇拜》，但未最后完成。这幅绘画，形象众多，他画了大量的草图。现在能见到的，只是一个基色调。
他的素描越来越多，大多是风景。故乡芬奇村近郊的优美景色，在他的素描本上占很大的比重。山岭，树林，河流，城墙……
达·芬奇已开始独立谋生。
这段时间，达·芬奇还画了《丽达圣母》。这幅画概括、综合性很强，他把生理上的美与灵魂上的美完美地结合在一起。人的外表与心灵之美获得了和谐和统一。他断言：“如果灵魂是杂乱无绪的，那么，具有这个灵魂的人体本身也必定是杂乱无绪的。”
跳槽米兰
1478年，佛罗伦萨城发生了一件大血案，轰动一时。
美弟奇是佛罗伦萨的统治者，他的家族是城里第一大家族，城里的另一大家族是巴茨家族，两家为了争占上风斗得死去活来。巴茨家族被摧毁了，几百人被判处死刑。大街上，不少尸体吊在绞架上，在风中摇晃着。
达·芬奇的心灵又一次被强烈地震撼了，血淋淋的现实使他觉得无法忍受，他不顾一切地想离开佛罗伦萨。
无论到哪里去都可以，只要能离开这个城市。达·芬奇甚至托人介绍，想到中东一个国家去当宫廷建筑师，结果没去成。
一件偶然的事发生了。达·芬奇发明了一种银琴，形状有点像马脑袋，上面有很多根弦，样式和声音都很新鲜。美弟奇本人很喜欢这件乐器，想把它献给米兰的公爵。他叫人招来达·芬奇，说道：
“听说你想离开佛罗伦萨，是吗？”“尊敬的先生，我在这个城市住了十多年，想出去换换空气。”
“不用瞒我了，你想走，我给你一个机会，你把银琴送到米兰公爵那里去，他一定会喜欢的。上次我和他见面，他曾说过手下没有好的音乐家，你要是运气好，他会留下你。”“谢谢您，尊敬的先生。”达·芬奇鞠了一躬，冷静地致谢。能离开佛罗伦萨，他当然很高兴，不过，这次到米兰去，他不是作为艺术家或学者，而是到那里去当宫廷音乐家，将来会怎么样，还不得而知。
1482年，达·芬奇终于离开佛罗伦萨到米兰去。达·芬奇希望以自己多方面的才能，在米兰实现自己的一番抱负，而不是仅仅靠当宫廷音乐家过日子。
30岁，正当而立之年，正是干大事业的宝贵年龄。然而，著名的艺术家达·芬奇却背起行囊，跳槽走了。佛罗伦萨所有热爱他、喜欢他的人都无一不为他感到惋惜。他们在街头巷尾议论着说；“又走掉一个优异的人才！”
达·芬奇跳槽米兰，是因为他对米兰充满了向往。实际上，他是离开了这个洛伦佐暴君，而又投靠到另一个米兰大公暴君名下。他仍然是暴君的工具，这是他一辈子的悲剧。但是，米兰大公与洛伦佐却不同。米兰大公久闻他的大名，十分敬仰他，而且珍惜他。米兰大公要他心情愉快地为他服务。于是，达·芬奇毅然前往米兰。他希望在米兰一展才华，实现理想。
当时的意大利，四处动荡不安，强者食弱者，叛乱迭起，狼烟遍地，到处都是阴谋、圈套、狡诈、纷扰。
而米兰，由于莫罗掌权，强者执政。得以短暂安宁，看上去还颇为兴旺。但是莫罗口是心非，叛乱起家，残忍凶暴，使米兰又危机四伏。
达·芬奇觉得，所有暴君，都要他为其服务。但他要选择的暴君，必须有较大的能力、财力，使他的理想得以实现。
达·芬奇走的是借助暴君外力来完善艺术的路子。
如此环境下进行艺术创作，真是谈何容易。
达·芬奇不得不常常被迫放弃手头的艺术创作，被召入宫廷。
当然，又是谈些取乐、过节、跳舞之类的小事。
达·芬奇为此十分痛苦，但他必须忍耐这种痛苦。
《哺乳的圣母》完成于1885年左右。
这幅堪称艺术瑰宝之作，今藏于列宁格勒艾尔米塔什博物馆。
作画之前，泽慈莉娅曾经向达·芬奇表述过这样一个心愿：她愿意永远做画家的圣母模特儿。她希望画家能够以她为模特儿，画一张圣母领着圣子的充满了母性之爱的作品。当时，达·芬奇满口答应了她。
《哺乳的圣母》表现的就是母性之爱。柔美、温和的慈母，她正在哺育一位天使般的圣子。圣子的金发拳曲，光彩照人。而母亲的生命之泉乳房，被画家渲染为一片白光，洁白无瑕。圣母满心欢悦，她亲切地、慈爱地望着怀中的圣子。圣子显然是已经得到了极大的满足，他吃饱了乳汁，而嘴唇脱离了乳头，正望着圣母。他的眼神，是那么好奇，那么天真……
背景则是两扇窗户。
这幅表现人间真爱的母性题材的画在画成之后，立即引起反响。前来画室参观者络绎不绝。艺术家以其真善美的自然流露打动了千万观众的心。
《抚貂女人》是在构思著名作品《蒙娜·丽莎》之前的一幅代表作。在创作这幅画时，达·芬奇就已经意识到，他一定会画出一张更单纯更美妙的少妇的笑脸。那张笑脸不会有大公莫罗的阴影。
而《抚貂女人》所取得的艺术成就也轰动一时。
而在这同幅肖像作品中，杰出的艺术家，着重表现出年轻女子天真单纯，积极向上，对生活充满美好向往的精神世界。
由于这幅《抚貂女人》一举成功，使达·芬奇在宫廷乃至在贵族阶层都引起了轰动。在米兰妇女界，人们纷纷谈论着年轻而俊美的艺术家。达·芬奇成了米兰妇女心目中崇拜的偶像。连日来，找他画女人肖像的人川流不息。几乎所有的名门贵族，知名女士，都想有一幅由达·芬奇——她们最崇拜的艺术家画的自己的肖像。
达·芬奇显得十分平静。他又有钱了。一则宫廷莫罗在美女泽慈莉娅的催促之下，拨给了他大笔赏钱；二则，他的画的订货者纷至沓来，他简直应接不暇。但他仍然保持了平静。
名盛时期
《岩间圣母》画于1440—1449年间，艺术家从构思到作画，历时较长。此画现存在巴黎卢佛尔博物馆。
按照合同，此画的本意是要把圣母画成在圣徒们的环绕之中。这是一般的平庸的宗教作品。达·芬奇没有这样作画。
他一个人悄悄地在工作间构思、描绘草图，作成此画。连他的那些学生都不知道他要画成什么样子。达·芬奇工作的时候，他喜欢一个人。
这本是一幅世俗性的作品，但达·芬奇创作的技艺的娴熟，使之几乎无懈可击。画面上的一切都是新的。对情节的处理十分精当，风景与人物的有机结合十分妥帖，采光十分自然而流畅，人物形象被某种特别的高尚的灵光普照而栩栩如生，光彩照人。
1493年初春之时，米兰人看见广场上那座塑像终于揭幕。这是几乎耗尽达·芬奇精力的弗西斯科·斯福查塑像。
从刚来米兰的时候，达·芬奇就差不多接手了这座“巨型塑像”的工作。这是莫罗祖父骑马全身塑像。泥塑模型于1493年完成，并在公爵城堡广场展出。要浇铸的话，得80吨铜。塑像浇铸一直没有实施，模型惨遭毁坏。1499年法国军队占领米兰，把模型当成了射击的靶子，这当然是后话了。
眼下，在隆重的开幕式上，这座高6米的塑像被安放在凯旋门下。
人们川流不息地前往参观。
塑像下面，人们看见艺术家达·芬奇写的字刻在上面：
“心灵在颤抖：塑像快竣工。”
另一行字刻的是：
“让沸腾的铜水听得一声喊：上帝哦。”
艺术家发出了痛苦的鸣叫。
然而，决定米兰的命运的事越来越迫近了……
达·芬奇有一个花园，花园里有许多桃树。
为了作试验，他把毒花液注入桃树中。除自己和学生外，他不准任何人接近这个桃园。这时，米兰全城突然传说姜·加列阿卓公爵病情严重是因为达·芬奇用有毒的桃子害了他，实际上是他要好的叔叔之妻下了毒。姜正慢慢地死去。他终于死了，全城居丧。
达·芬奇十分忧伤地想，他在米兰怕是呆不长了。
《最后的晚餐》作于1495年—1497年间，这幅画现存圣马利亚·德拉·格拉齐耶隐修道院食堂之壁。
根据莫罗夫人的要求，既要快又不加修改地画这幅壁画。这使艺术家开始有些为难。这样的大型壁画，他快不来。
他画了无数草图，确定一张后，他试着把颜料和土混用，这就决定了作品的悲惨命运。土粘不住色彩，色彩脱落。壁画绘制在艰难中进行。修道院院长常看见达·芬奇几个钟头不动地在画幅前冥思苦想而不动笔画画。
艺术家回忆起自己来米兰之后的所见所闻。
他需要的是不同凡响的形象：凝神沉思的思想者。他们当中，又有两种面孔，一种是完美的化身，超凡脱俗，充满无边的爱；一种则完全与之相反，变节，贪财，自私，残忍……
文艺复兴早期的画家们在《最后的晚餐》结构中，一般都使一排人坐在桌子后面，互不相干，同一种姿式重复出现。而把叛徒犹大隔开，单独安排到桌子的另一面。
但杰出的艺术家达·芬奇摒弃了这种结构。
莫罗看见，艺术家把被他们中间隐藏着叛徒的消息震惊的人们展示出来了。
照新约的传说，桌后面，耶稣和12门徒举行最后一次晚餐。达·芬奇的高明之处，就在于他选择的是晚餐中最令人激动的一瞬间：耶稣对门徒说：“你们当中有一人将出卖我。”
他说完此语，便无可奈何地把手放在桌上，沉默下来。
一石击破水中天。这话引起周围12弟子的激烈反响。艺术家面临的是：要塑造出听到此话后12门徒灵魂深处掀起的波澜，塑造出性格迥异的人物，而绝不雷同和重复。
这就要求每个人表现出来的感情，都要符合他的性格气质。
达·芬奇高明地把叛徒放在一群可爱的门徒之中，像是我们常常见到的这种尴尬场景：叛变的人以朋友身份出现，藏隐在一群朋友之间，让你一下看不出来，尤其是未加提防的人。
犹大阴暗的侧面轮廓，被从明媚的日光照耀的其他人面孔中明显地突出起来。他紧握着装钱的钱包，紧张地等待着叫他的名字。
艺术家一语破的：“灵魂应该通过手势和动作来表现。”
这幅画的群像，布置得十分合理。画家以几何学的精确性确定了构图的中心——耶稣像。像被窗外散射进来的光线突出出来，它的突出点便是他的头部。门徒对称坐在两旁，每边6人，照例是3人一组。
莫罗为之震惊：“简直是不可思议！我现在才明白，你为什么在这墙上下这么大的工夫！这是一幅无可比拟的杰作啊！”
但这幅壁画最后的命运不佳。
